Teoría Musical Aplicada a Producción con un curso totalmente original desarrollado por  Yamaha Music School Valencia que se ha convertido en referente en el panorama educativo nacional.

Todo el fundamento teórico, el lenguaje y las técnicas de composición necesarias para crear música moderna se aprenden directamente en el DAW, con ejemplos prácticos, análisis y reconstrucción de temas de grandes productores y compositores.

Teoría Musical Aplicada a Producción consigue transmitir de manera eficaz contenidos que se consideraban imposibles de aprender en menos de tres o cuatro años en sólo una fracción de ese tiempo.

Esta primera parte de Música para Cine, se centra en explorar la relación entre la música y la imagen y en proporcionar al compositor las herramientas básicas y el flujo de trabajo necesario para crear música para una secuencia de video.

Para ello, se comienza por revisar brevemente la historia del cine y por detallar los conceptos básicos de la cinematografía actual. A continuación, y a través del análisis de bandas sonoras de grandes compositores, se entiende cuál es el papel de la música en cada secuencia.

Aprender a manejar y sincronizar el video, y a crear pistas funcionales de marcadores, tempo y métrica, son los primeros pasos prácticos a seguir. Posteriormente, cargando instrumentos virtuales en los samplers más usados, elaborando un template básico y, a través de la grabación y edición de notas y señales de control MIDI, se elabora un primer mockup de la música de una primera secuencia.

Estudiando la relación con el/la director/a y con producción, se aprende a lidiar con notas, y a realizar conforms a distintos montajes. Además se estudian conceptos básicos de mezcla y masterización y el uso de buses para la realización de distintos tipos de exportación.

Por último se analiza la función de la música en otros medios audiovisuales, así como el papel de la música interactiva en los videojuegos.

Diseñar sonidos ("sound design") es una de las grandes habilidades de un buen productor. A través de síntesis se generan sonidos desde cero usando osciladores y técnicas de filtrado, amplificación y modulación. Por otra parte el sampleo utiliza sonidos ya existentes para reproducirlos desde distintas notas musicales y someterlos a infinitas modificaciones.

Hoy en día existen infinidad de sintetizadores y samplers tanto físicos como software y es imposible conocerlos todos, pero la buena noticia es que todos ellos se rigen por las mimas normas y aprender a usar un puñado característico de forma profunda implica desarrollar la intuición suficiente para poder usarlos todos.

La Suite Komplete de Native Instruments incorpora muchos de los sintetizadores y samplers más legendarios. Combinando su estudio con aquellos incluídos directamente en el DAW, el productor puede desarrollar todas las habilidades para convertirse en un gran "sound designer"

Debido a su caracter interactivo, crear música para videojuegos requiere técnicas especiales que se diferencian en gran medida de la composición de música para imagen en el sentido tradicional.

Utilizando Cubase Pro y Wwise, el curso abarca de forma concisa y ordenada todos los conceptos teóricos y prácticos necesarios para componer, producir y también implementar la música para un videojuego en la industria actual.

El temario se divide en tres módulos, que cubren todos los conceptos teóricos y prácticos. Todas las semanas se realizan ejercicios prácticos sobre secuencias de videojuegos originales. Al final de curso, el estudiante realiza un proyecto final, componiendo, produciendo e implementando la música para un videojuego.

La segunda parte de Música para Cine está dedicada plenamente a la orquesta. La orquesta, en sus distintas configuraciones, es una constante en la música para imagen mundial, y como tal, profundizar en su comprensión es una tarea fundamental para el compositor moderno.

A través de la práctica y el análisis de grandes bandas sonoras orquestales se estudia como escribir, directamente en el DAW, para cada uno de los instrumentos y para cada una de las grandes familias: cuerda, viento madera, viento metal y percusión.

Además, se hace una especial incisión en cómo integrar la orquesta en un ambiente híbrido moderno, y cómo conseguir un sonido orquestal original integrando en la orquesta distintos instrumentos solistas, atmósferas, sintetizadores, instrumentos étnicos, percusiones exóticas, etc.

Una de las claves de la producción musical en cualquier género, y especialmente en la música para cine, es la mezcla, el arte de combinar las distintas pistas de audio de modo que puedan ser percibidas con claridad y presencia, dejando además espacio para las otras pistas sonoras que están presentes en una producción audiovisual.

Dominar todos los aspectos de la mezcla es una tarea compleja y por ello Yamaha Music School Valencia ha elaborado un temario estrictamente organizado para sacar el máximo partido a los aspectos fundamentales de la misma.

En este curso se estudia no solo como mezclar instrumentos orquestales, acústicos y electrónicos, de forma que cada uno ocupe su lugar en el espacio, en volumen y frecuencia, sino también las técnicas de ruteo de señal, trabajo con buses, y exportación de la mezcla en stems que forman parte del flujo normal de trabajo en la industria actual.
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El estudio de las técnicas de masterización nos permite tratar la pista estéreo final para ajustar su volumen a los niveles deseados en la industria en la actualidad. Así, se aprende a destacar y corregir componentes frecuenciales y ajustar dinámicas de forma que se facilite el siguiente proceso de mezcla final de la música con los diálogos, foley, atmósferas y efectos sonoros.

El famoso software de la compañía berlinesa Ableton trasciende los límites de un DAW para convertirse en un instrumento más.
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La poderosa Suite que lo acompaña proporciona al compositor y al productor todas las herramientas necesarias para llevar a cabo una producción musical completa, con una gran paleta de herramientas de diseño sonoro y una forma muy sencilla de trabajar en música con un groove o beat marcado. Dominarla permite además  enfrentarse a cualquier plugin o hardware externo a Ableton con mucha más soltura y naturalidad.

Con Ableton como segundo DAW, el compositor moderno amplía infinitamente sus posibilidades de creación de sonidos y de integración de géneros electrónicos en su música. Existe además la posibilidad de combinar Ableton con Cubase, o cualquier otro DAW, y trabajar en ambos de forma simultánea.

La última parte de Música para Cine se centra en proyectos prácticos: cortometrajes, secuencias de un largometraje o serie de televisión, secuencia de un videojuego, fashion film, etc.

A través de una experiencia práctica se asimila el flujo de trabajo en la creación de una banda sonora para un proyecto audiovisual en la actualidad.

Desde los primeros procesos de spotting session, elaboración de cue sheet, y análisis de la música temporal, pasando por la composición de suites, la composición en sincronía con la imagen, el conformado de secuencias y las revisiones de dirección y producción, hasta los procesos finales de grabación, mezcla, masterización y exportación por stems, los estudiantes tienen una clara exposición a todas las etapas que forman parte de la elaboración de una banda sonora contemporanea.

Yamaha Music School colabora habitualmente con Nucine Escuela de Cine, así como con Barreira Arte + Diseño, creando música para sus cortometrajes, obras de animación y fashion films.